Desierto, valle y oasis. Ica, ciudad donde nació Sérvulo Gutiérrez, fue el primer escenario para una sensibilidad y un talento innatos, que le permitieron desde pequeño expresarse a través del dibujo.

Sus primeros temas ­personajes, paisajes y veneración al Señor de Luren­ le concedieron desarrollar, en varias etapas y bajo diversos estilos, una extraordinaria capacidad de libertad creativa y un ejercicio pleno de expresividad.

Casi adolescente, a la muerte de su madre, Sérvulo llegó a Lima y se incorpora a la familia de su hermano mayor, Alberto, reconocido restaurador que lo inició en el manejo de técnicas.

Buenos Aires (ciudad a la que viajó como integrante de una delegación peruana de boxeo) y París son los dos ámbitos en los que el artista realiza experiencias de vida que lo marcaron definitivamente. El contacto con otros espacios y otra gente no sólo le abrió rumbos, sino que también le moduló el carácter de sus imágenes. Su vitalidad desbordada lo llevó a adherir y disfrutar de ese espíritu bohemio que lo acompañara hasta el final, y que fue asumido por él como inmersión colmada en emociones y vivencias.

El retorno a Lima y un nuevo regreso a Buenos Aires, acuñaron también su decisión por el arte como función de vida.

Artista autodidacta

No se conoce que Sérvulo haya asistido a algún taller o academia, o que fuera discípulo de algún maestro, como el artista Emilio Pettoruti, por quien profesó su admiración y respeto declarado. Pettoruti (hombre disciplinado, inteligente y decidido, defensor de una modernidad anhelada por el espíritu de la época) ejerció una fuerte influencia sobre Sérvulo.

De esta época, de este contacto con artistas que proponen nuevas formas de interpretar y mostrar la realidad, son los célebres retratos de Claudine, de familiares cercanos, los techos y las escenas urbanas bonaerenses, los sencillos y misteriosos bodegones de sutiles atmósferas, realizados entre 1944 y 1946.

A partir de 1946, Sérvulo comenzó a ejercitar una libertad cromática sin complejos. La utilización de complementarios, la riqueza de la masa formal apoyada en acentos de azules, amarillos y ocres acertadamente dispuestos, le sirvieron para lograr una retórica personal y definitiva. De esta etapa son los memorables retratos de Chepa Schwalb y Doris Gibson, y aun su autorretrato, en el que la búsqueda del tono interior conquista el plano e invade totalmente la escena.

Sérvulo ha descubierto que la pintura es color. Que la línea no es definitiva y es un límite no deseado a su ambición expresiva. Ese peculiar sentido orgiástico de la sensación intensa, muy profunda y cargada. Es así que abandonó el dibujo preciso para abandonarse al ritmo de masas rebeldes.

Y al dominarlas, consigue transmitir la idea de paisaje interior, íntimo y compartido a la vez, para ilustrar su vivencia de lo que fue su escenario vital primero.

Vida acelerada

Su retorno será cada vez más frecuente a la Ica natal. A partir de 1951 esta ciudad motivó la recurrencia en mostrar Huacachina, La Huega, el desierto y las palmeras, los huarangos y arbustos, los atardeceres, y los ríos blancos y tumultuosos.

También comenzaron a ser, cada vez más usuales, las figuras o rostros de la iconografía de devoción. Santa Rosa y el Señor de Luren serán reinventados y recreados, a fuer de humanos, mediante trazos casi automáticos y violentos.

Sus cristos se volvieron vocabulario habitual y su rastro quedó grabado sobre los soportes más diversos: papeles de envoltura, periódicos, talonarios, pañuelos, servilletas, cartones y maderas usados, muros de cuartos y de lugares públicos.

Esta imperiosa necesidad estuvo alentada por una angustia profunda. Una vida continuamente acelerada y urgida, fue quemando y agotando las reservas físicas y espirituales. Camino autodestructivo y desesperado que se traduce en imágenes desgarradas que repitió, una y otra vez, un gesto suplicante, un llamado silencioso y amargo.